Quino

Cuando era pequeño el periódico que solíamos comprar en ese entonces era "El Comercio", mi padre tenía el hábito en ese entonces de llenar el conocido "Geniograma" con la esperanza de ganar el premio que día con día ofrecían mediante un sorteo. Este crucigrama venía en una sección del periódico llamada "Luces" la cual contenía temas de arte, cultura, cine, farándula y la programación de la TV. Esta sección siempre, pero siempre, la leía en sentido oriental por así decirlo, es decir, la empezaba por el final hasta llegar al comienzo.

¿Por qué? Porque al final de esa sección traía la parte llamada "Amenidades" la cuál comprendía del clásico horóscopo y las tiras cómicas. Cada una correspondía a un autor diferente e iba una encima de otra, los autores variaban pero la primera tira siempre era Mafalda. "Mafalda", por Quino. A mi corta edad lo único que lograba entender era de que se trataba de las peripecias de una niña pequeña y sus amigos, solo eso, no comprendía los diálogos.

En una oportunidad llegué a comentárselo a mi tía y ella solo me respondió: "Es de otra época, de otra generación". Hasta ahí quedó la cosa. Luego me entretenía con las otras tiras.

Recuerdo luego que mis padres llegaron a comprarme un conjunto de sábanas nuevas y estás eran de Mafalda, con dibujos de los personajes y lleno de tiras de color verde Spotify. Recuerdo una tira en la que Libertad grita "¡SONAMOS!" pero no recuerdo bien de qué trataba, y luego otra en la que jugando le pedían a Manolito que le quitara a Susanita un muñeco, y Susanita le pegó con el muñeco diciéndole: "¡¿A UNA MADRE?!". Dormir y despertar con esas tiras cada día hizo que esas cositas se quedaran en mi memoria.

Con el paso del tiempo empecé a entender las llamadas "cosas de la vida", algunas de testigo y otras a palos, y fue ahí que Mafalda empezó a tener sentido para mí. Grande fue mi sorpresa que la obra gráfica de Joaquín Salvador Lavado (a.k.a. Quino) no se limitó solo en Mafalda, de hecho, lanzó muchos libros los cuáles algunos se llevaron a la animación en una serie de cortos llamada "Quinoscopio" en la década de los 80's.

"Mafalda" también fue llevada a la animación, una en versión cortos y otra en un largometraje animado. Personalmente prefiero los cortos y más aún leerla en las tiras cómicas. 

Hace algunos años llegué a comprar unos de sus libros llamado "A mí no me grite" el cuál aún conservo, tuve la intención de comprar más de sus libros pero lamentablemente ya no alcancé a hacerlo. Confieso que algunas ilustraciones sigo sin entenderlas del todo, y creo no ser el único, espero.

Quino partió de este mundo el 30 de setiembre de este año, en corto puedo decir que su obra es un reflejo de lo que somos y de la sociedad en que vivimos, muchas de estas ilustraciones, aparte de Mafalda, siguen tan vigentes ahora como en la época en que fueron publicadas y forman parte del acervo cultural latinoamericano. 

Hasta siempre, Quino.

Róisín Murphy: "Hairless Toys" o el porqué la fama no lo es todo

Han pasado 8 años desde que salió "Overpowered", luego de varios singles, colaboraciones y un EP en italiano llamado "Mi Senti", por fin la cantante irlandesa lanza su nuevo álbum de música electrónica: "Hairless Toys" (2015), el cuál me enteré de su existencia hace unas semanas. Sí, he estado muy desconectado de ciertas cosas.

Luego de formar parte del dúo "Moloko" el cuál tuvo su éxito con la canción "Sing It Back" y lanzar su primer álbum solista llamado "Ruby Blue", el éxito del segundo disco "Overpowered" (2007), el cuál, dicho sea de paso y concuerdo con ello, calificó a Róisín de "Reina del Electropop" por el público mucho antes de que saliera una tal "Lady Gaga" copiándole todo el estilo junto con el de otras más.

Sin embargo, recuerdo cuando esperaba con ansias un nuevo álbum en aquél entonces, pero los años pasaron y pasaron. Recuerdo que salió la noticia de que Róisin se embarazó e iba a dedicarse a su maternidad, sin embargo eso no evitó que lanzara algunos temas sueltos como "Orally Fixated", "Momma's Place", o esta maravilla llamada "Simulation".

Llegó el 2015, y por fin, Róisín lanza su tercer álbum: "Hairless Toys", cuando empecé a ver los videoclips de los singles ya lanzados del disco, me encontré con un sonido completamente diferente, minimalista y una imagen retro de la cuál Róisín inconscientemente no puede escapar como vemos en las canciones Explotation y Evil Eyes

Debo decir que el look es muy de los 90's, una mezcla entre Lady Diana y Encarna Sánchez

En mi opinión, considero que para poder entender este cambio radical es, primero, es tener paciencia, dejar sentir que los temas fluyen por sí solos; y segundo, leer esta interesante entrevista a Róisín, la cuál explica el porqué del título de este post. Sólo así podrán entender el sentido de este nuevo disco, al menos eso a mí me funcionó.

Considero que a diferencia del disco anterior, "Hairless Toys" tendrá un éxito modesto, muy modesto quizás, pero creo que a Róisín no le importe mucho, ella es una estrella existosa a su manera.

Saludos!

Neko.

Esa oscura prenda del Che...

Quiero empezar este post diciendo que no soy izquierdista, no voy a votar por Verónika Mendoza a pesar de la coherencia y las buenas intenciones que demuestra en sus declaraciones, no le entro al Podemos ni mucho menos le chupo la verga a Castro. No. Como también quiero dejar en claro que este es únicamente mi punto de vista, sin ánimos de pontificar ni nada por el estilo.

Una mañana mientras ordenaba mi cuarto, botando algunos cachivaches que tenía guardados hace mucho tiempo y acomodando mi ropa encontré en un rincón, doblado y maltratado por los años, un polo (camiseta, remera o como le llamen) de color negro. Pero lo curioso es que no era cualquier polo de color negro, era un polo de color negro con la cara del Che estampado. Sí, el Che, Ernesto Che Guevara.

Dado los tiempos que vivimos, hay una cierta repulsión a todo lo que sea de izquierda (llámese Socialismo, Comunismo, etc). Ejemplos que dan miedo los hay: Corea del Norte, Cuba, y, hace unos años, Venezuela; y con ellos a sus respectivos dictadores. Parte de esa misma repulsión ha recaído también en la imagen del Che Guevara. ¿Por qué ahora dicen: "¿Por qué rayos tienes la imagen de ese tipo en tu polo?", cuando hace más de una década nadie decía ni mu al respecto?

Creo recordar que tenía 11 años cuando mi padre me compró este polo en una tienda, yo no era consciente de ello, no sabía quién era, me puso el polo y me dijo algo así como: "Este hombre fue un gran personaje en la historia". Recordé eso anoche y se lo comenté entre risas a mi padre, quién me dijo: "Y lo sigo diciendo". En fin, cosas de él.

Ahora he visto en algunos videos y comentarios en Youtube (especialmente viniendo de USA) cuestionando el porqué llevar la imagen del Ché en un polo. Los argumentos van tildándolo de "criminal", "asesino", etc. Y detrás de esos argumentos hay varios libros al respecto. Pero vamos a ver, ¿Por qué se ofuscan tanto por un simple polo? ¿Por qué satanizar esta prenda?

Para mí ponerse un polo del Che no necesariamente es porque abrazas la ideología marxista o leninista, siendo honestos muchos no saben lo que es ni con qué se come, sino es porque se le "admira" por esa actitud "revolucionaria" de manifestarse ante la injusticia, de no vivir arrodillados (como él decía) ante nadie ni ante la vida, y es algo que aplicamos día a día pero quizás no reconozcamos.

Pero, ponerse un polo del Che es también la reafirmación del triunfo del capitalismo, de un hombre que en vida luchaba contra un sistema y que luego de muerto su imagen ha terminado sucumbiendo ante este sistema llegando a convertirse en parte de la cultura pop, principalmente en la moda: Polos, gorras, trajes de baño (Giselle Bündchen), collares, zapatillas, mochilas (mi madre tenía una cuando era niña), etc; y cuyo uso está potenciado incluso por celebridades.

Es una sacada de lengua, es como poner una foto de Putin travestido, un Hitler con traje rosa.

En resumen, para mí, ponerse un polo del Che es rebeldía, es ironía, es contradicción y, sin querer, es también coexistencia.

¿Ironía? ¿Contradicción? ¿Coexistencia? Sí, y para muestra, un ejemplo:

The United States Of America - Love Song For The Dead Ché (1968)

At the dawn of an ordinary Sunday,

I remember the taste of you, sweet in my mouth.

Late in the year.

And in the stillness of the Oriente rainfall,

I remember the warmth of you, still in my arms.

Late, late in the year.

I can bring to you flowers in the night,

Soft as my trembling fingers touch you - love.

I can offer you wine and candlelight,

If only my aching fingers clutch you - love.

Late in the year.

Late in the year.

Late in the year.

At the dawn of an ordinary Sunday,

I remember the taste of you, sweet in my mouth.

Late in the year.

&&&&

Saludos.

Neko.

The Velvet Underground & Nico (1967) - Controversial y atemporal

Me han pasado una de tres cosas cuando llego a escuchar un disco. Hay discos que al escucharlos por primera vez quedo enganchado con ellos, otros que los escucho y no encuentro un vínculo, un "feeling" como dicen, y termino poniéndolos a un lado; y hay discos en los que crees que tiene algo, en los que hay que escucharlos con paciencia hasta que llego a encontrar un cierto sentido que hace decir en mi interior: "Ok, va".

Este último caso es lo que me ha ocurrido con The Velvet Underground & Nico de 1967.

Al igual que el Illuminations de Buffy Sainte-Marie, este es otro caso de un sello discográfico apostando por un género musical del cuál no es tan característico. Verve Records, un sello conocido por cobijar a artistas jazz como Ella Fitzgerald, Billie Holiday o Astrud Gilberto (en el ámbito del Jazz Samba); decidió expandirse y durante los 60's decidió abrirse al rock y la música experimental.

The Velvet Underground, banda liderada por Lou Reed, fue parte de este proceso con ciertas canciones que pensaban poner en el que sería su primer álbum. A esto le añadimos la relación que tuvieron con el artista Andy Warhol lo cuál les daba un plus al nombrarlo como manager de la banda y "productor" (sí, entre comillas) del álbum.

Sin embargo, Warhol impuso (aparte de poner un cuadro suyo como portada del álbum) a Nico (Christa Päffgen), modelo alemana de peculiar voz que fue parte del elenco de "La Dolce Vita" de Fellini y empezando su carrera como cantante con un single en Inglaterra producido por Jimmy Page que con el tiempo ganaría relevancia. Nico quería cantar y Warhol decidió lanzarla a la fama desde su estudio artístico conocido como The Factory junto con otras de sus "superestrellas", la impuso en la banda cosa que a Lou Reed no le gustó para nada pero terminó accediendo debido al futuro que les esperaba.

Tuvieron que modificar algunas canciones para que vayan en tono con la (de nuevo) peculiar voz Nico, cosa que no fue fácil pero que finalmente pone su voz en 3 canciones del álbum y colabora haciendo los coros en "Sunday Morning", le atinaron y muy bien.

Este no es un álbum de rock, ni pop ni experimental solamente. Son las 3 cosas juntas con canciones que no eran lo "mainstream" de aquella época: Canciones de amor, peace and love, a go-go, twist, etc. Son canciones que hablaban del otro lado: Drogas, sexo, prostitución, masoquismo. Un álbum oscuro a pesar de la blancura de la portada y la curiosa invitación de doble sentido a que peles el banano tirando lentamente de la calcomanía y veas lo que tiene adentro.

Con todo esto, fue predecible que el disco fuese víctima de negativas a que se reproduzca en la radio, que Verve fallara en promocionar el álbum y que otros sellos no lo distribuyan. Conclusión: Fracaso en ventas y poco éxito.

El tiempo permitió que saliera gente que reconociera que el álbum fue una revolución de su tiempo y terminó siendo aclamado por los críticos musicales, tanto así que en el 2006 el álbum formó parte del Registro Nacional de Grabaciones de la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos debido a su "significancia cultural o histórica" en la vida estadounidense.

¿Cómo llegó a mí?

Hace muchos años atrás ya había visto ese peculiar banano pero lo consideraba como un cuadro más de Andy Warhol, luego en un reportaje español sobre el regreso de los discos de vinilo o LP (elepé) mostraron al banano en cuestión y me dije: "Oh vaya, es un disco..." más no le presté atención en aquel entonces. Hasta que hace unas semanas recordé este último incidente, recordé los comentarios que hacían del álbum, y me dije: "Ok, ¿Por qué no? ¿Será verdad tanta belleza?". A pesar de mi gusto por lo experimental, no se porqué aún no me animo a comprarlo dado por los últimos dos temas que lo convienten en un disco que "no es para pasar el rato".

Un inicio con toques pop en "Sunday Morning", luego la rudeza que es como un golpe en la nuca que te dice: "¡Hey, espabila! Así también es la vida" con "I'm waiting for the Man", las advertencias en la voz casi de suspiro de Nico en "Femme Fatale", sadomasoquismo en "Venus in Furs", drogas en "Run Run Run", Nico de nuevo en una canción en un tono como de marcha lenta con "All Tomorrow's Parties", "Heroine" (el nombre lo dice todo mientras los sonidos se retuercen), le sigue "There She Goes Again" una canción que las feministas más acérrimas repudiarían, luego la voz sedante de Nico con "I'll be your mirror" para luego sumergirse en un ambiente oscuro, subterráneo, underground de "The Black Angel's Death Song", hasta terminar con una sinfonía de ruido por la guitarra, el bajo y la batería, enfurecidos, el lado experimental sale a flote en "European Son".

1. Sunday Morning
2. I'm Waiting for the Man
3. Femme Fatale
4. Venus in Furs
5. Run Run Run
6. All Tomorrow's Parties
7. Heroin
8. There She Goes Again
9. I'll Be Your Mirror
10. The Black Angel's Death Song
11. European Son

Luego del disco, Lou Reed decidió echar a Nico y Warhol de la banda más esto no significó que rompieran vínculos completamente. The Velvet Underground, ya sin Nico, empezó a tomar sus propias riendas con un disco completa y literamente negro, pero esa es otra historia.

Saludos.

Sedmikrásky (Daisies): "Si todo está corrompido, nosotras también debemos corrompernos".

Hace algunos años que el sello Finders Keepers Records lanzó el soundtrack de esta película checa de 1966: Sedmikrásky, titulada en inglés: "Daisies" o "Las margaritas" en español, dirigida por Věra Chytilová. Debo confesar que el disco lo vi digamos, "a la volada", no le puse una cierta atención hasta que hace más de un mes recordé la película y me animé a verla.

Una pieza netamente surrealista y calificada de feminista por algunos, sin embargo nos presenta a dos simpáticas jóvenes que un día se plantean que el mundo está corrompido y por tanto ellas también deben de corromperse, es así como empieza la película, las chicas empiezan a jugar a ser las malas y pasan por una serie de situaciones y travesuras como su forma de liberación.

El filme se desarrolló en un ambiente previo a la "Primavera de Praga" que al ser abolida el gobierno comunista no admitió el estilo transgresor de los trabajos de Chytilová obligándola a estar en un período de inactividad de 6 años, sin embargo esto no impidió en el futuro que "Daisies" sea considerada un filme de culto cargado de arte y un hito de la nueva ola cinematográfica checa.

Letras Indecentes---Ahora en El Blog de Nakameguro!!

Los días de "Letras Indecentes", mi segundo blog, están contados por mi propia decisión. Porque creo que la expresión libre no debe estar aislada, ni mucho menos dada como una segunda cara. Todo es uno solo.

Bye Bye

¿Y de qué se compone?

Poemas y videos creados, de carácter vanguardista y no vanguardista, y no creados por mí los cuales estos últimos rescato mucho porque son especiales para mí.

El contenido será rescatado con la finalidad de que todo esté unificado en este blogcito medio melcochudo.

Saludos!!

El Ángel Exterminador: "Qué ganas tengo de salir de aquí!!"

Una muestra del cine surrealista es "El Ángel Exterminador", el cual si bien en un principio no ha sido del agrado de Buñuel rodarla en México por la falta de medios económicos puesto que esta película retrata a la alta burguesía y requería que el escenario sea de lujo no evitó que sea una obra reconocida al Premio de la Sociedad de Escritores de Cine en Cannes de 1962.

A pesar de que los criados no aguantan ni un momento más estar en la mansión donde se lleva a cabo una reunión luego de que todos los invitados lleguen de la ópera, éstos últimos, al terminar la cena, se dan cuenta de que no pueden salir de la habitación por una razón que desconocen (como también la gente que está fuera no puede entrar a la mansión), aunque no hay aparentemente nada que lo impida. A medida que van pasando los días, el alimento y la bebida escasean, los personajes enferman y la basura se acumula. A partir de ese momento, las buenas costumbres y la cordialidad poco a poco se acaban perdiendo y los burgueses se comportan como auténticos salvajes.

Comentario de Películas del Cine Mexicano:

[(...)El título original de "Los náufragos de la calle Providencia" fue modificado gracias a una obra teatral que nunca se escribió. "Durante el rodaje de «Viridiana» me encontré con el escritor José Bergamín, quien me dijo que se proponía escribir una obra de teatro con el título de «El ángel exterminador». Yo le dije que era un título magnífico y que si iba por la calle y lo veía anunciado, entraría a ver el espectáculo. Como Bergamín jamás escribió la obra, le escribí pidiéndole los derechos del título. Me respondió que no necesitaba pedírselos, puesto que esas palabras aparecían en el Apocalipsis."

A diferencia de Viridiana, el presupuesto con el que contaba Alatriste para financiar El ángel exterminador era muy limitado. "Lo ideal, desde luego, hubiera sido hacerla en Inglaterra, en un lugar donde verdaderamente existe un estilo de alta sociedad. Pero, en cambio, con Alatriste tuve toda la libertad del mundo."

La película presenta uno de los temas favoritos de Buñuel: el de las repeticiones. "Creo haber sido el primero en emplearlas en el cine. La entrada de los invitados en la lujosa mansión de los Nóbile y la subida por la escalera al piso superior la repetí dos veces consecutivas, sin otra variación que una toma en picado y otra en contrapicado. Cuando terminó de hacerse la copia, el fotógrafo Gabriel Figueroa vino a verme alarmado y me dijo «Oiga usted, la copia no está bien, una escena se repite.» Le dije: «Pero Gabriel, el montaje lo hago siempre yo mismo. Además usted filmaba conmigo y sabe que en la repetición usamos otro encuadre. Es una repetición voluntaria...» «Ah, ya veo», dijo, pero en verdad estaba asustado."

Además de la doble entrada de los invitados, en El ángel exterminador existen un gran número de situaciones duplicadas. "La repetición me atrae, tiene un efecto hipnótico. En la película hay como veinte repeticiones. Unas se notan menos que otras."

Acerca del enigmático título de la película Buñuel comenta: "Yo primero pensé que el título tenía una relación subterránea con el argumento, aunque no sabía cuál. A posteriori lo he interpretado así: los hombres cada vez se entienden menos entre sí. Pero ¿por qué no se entienden? ¿Por qué no salen de esta situación? En la película es lo mismo: ¿Por qué no llegan juntos a una solución para salir de su encierro?"]

::::::::::::::::::::

Silvia Pinal habla sobre el filme:

Saludos!

Simón del desierto: "Carne Radioactiva!...Es el último baile, es el baile final!"

Luego de verla hace pocos años entendí porque en el canal "De Película", el cual un sábado hizo un especial de Luis Buñuel, la transmitió de madrugada y que en ese momento no logré verla hasta que se publicó en YouTube.

Me hubiera encantando, aunque sería un imposible, que este mediometraje de 43 minutos lo pongan en Semana Santa, es más, desde ya se me ocurrió semejante "barbaridad".

Luego de la muerte de Cristo, muchos monjes de Medio Oriente pasaban su vida en penitencia y oración con la particularidad de estar y pasar toda su vida en la cima de una columna dándoles el término de "estilita". En este caso se relata la vida de Simón, quién personalmente no se si se trata de la vida de Simón el Estilita pero se ve que hay una cierta inspiración de ese personaje.

Aquí Buñuel nos muestra a un monje quien por momentos se preocupa de sus necesidades olvidándose de la penitencia, se distrae de su fe y la frecuente visita del Diablo personificado en una mujer siendo una gran crítica que llega a ser divertida de la religiosidad mediante situaciones que llaman la atención y que lamentablemente las circunstancias no dejaron que sea una obra de una mayor duración provocando que tenga un final cortante pero no deja de ser interesante de lo cual se los recomiendo.

¿Alguna advertencia? Tengan una mente abierta.

La escena de la segunda tentación se ha convertido en mi parte preferida :P

Saludos!

Él: De los celos a la locura

En 1952 se estrenó en México: "Él" de Luis Buñuel, a pesar de que en su momento fué todo un fracaso el director nos muestra una parte de su personalidad (según comentan) reflejada en el protagonista en relación a los celos y como éstos, según mi opinión, llegan a dañar a la persona con quien compartimos nuestra vida convirtiéndose en una patología digna de estudiarse. No está demás decir que Buñuel expresa también su visión e ideas de la Iglesia como lo ha hecho en sus películas posteriores.

Comentario del sitio: "Películas del Cine Mexicano"

"Quizá es la película donde más he puesto yo. Hay algo de mí en el protagonista." Buñuel habla así de Él, uno de sus filmes favoritos y uno de los mejores de su etapa mexicana.

Basada en la novela parcialmente autobiográfica de la escritora Mercedes Pinto -madre de los actores Pituka de Foronda, Rubén y Gustavo Rojo- Él presenta, con grandes dosis de humor negro, el retrato de la descomposición emocional de un hombre paranoico y los desastrosos efectos que sus celos provocan en las personas que lo rodean.

"Francisco Galván me parece alguien que está tratando de liberarse sin saber cómo" dice Buñuel. "En él predomina, sin embargo, la necesidad de que los demás lo tengan por perfecto, de que lo consideren el mejor de todos los hombres."

En su única colaboración con Luis Buñuel, Arturo de Córdova logra en Él una de las mejores actuaciones de su carrera. Su personaje incorpora una serie de gestos y comportamientos propios del director, especialmente su modo de caminar, lo cual convierte a la película en una de las más reveladoras sobre la personalidad del genial aragonés.

La afición de Buñuel por el estudio de los insectos se manifiesta en diferentes momentos de la película. Él puede verse como el estudio entomológico de una personalidad patológica, como si Buñuel observara a Francisco a través de un microscopio. El mismo personaje hace alusión a esto cuando, desde lo alto de un campanario, compara a la gente que ve desde allí con hormigas y añade: "Me gustaría ser Dios, para aplastarlos..."

Hablando en términos técnicos, Él es una de las películas con mejor factura de las que Buñuel filmó en México. La espléndida escenografía art nouveau de Edward Fitzgerald y el elegante manejo de cámara de Buñuel imprimen a la cinta un carácter onírico e inquietante.

Considerada hoy como una de las diez mejores películas del cine mexicano de todos los tiempos, Él no fue bien recibida por el público en su estreno. "Nunca tuve problemas con la censura. El único problema es que el ser estrenada la película fue un fracaso. Si duró tres semanas en la sala, se debió al nombre de Arturo de Córdova, que tenía mucho cartel."

Revalorada por la crítica y el público, Él es una de las películas que más renombre tiene entre la filmografía buñueliana. Incluso, afirmaba Buñuel, la película es célebre entre los médicos, quienes la exhiben en las clases de psiquiatría para ilustrar los casos de paranoia.

El final me pareció curioso, la caminata en zig-zag es realizada por el mismo Buñuel dándonos a entender que la celotipia aún acompaña al personaje.

Saludos!

Seguimos con el Surrealismo: L'Âge d'or

Bueno, desde ya haré un post por cada película que he visto de Buñuel jajajaja (en serio 0..0). Y bueno a pesar de que ésta no fué la primera película que ví de él me gustó mucho el contenido, muy interesante. Cabe decir que a lo largo de su filmografía, gran parte radicada en México, no siempre ha sido ha sido de un fuerte contenido surrealista, "L'Âge d'or" fué su segundo proyecto y la segunda (o tercera?) película sonora en Francia.

L'Âge d'Or (1930)

Calificada de infame, obscena y hasta casi pornográfica prefiero presentarles parte del artículo en cuanto al contenido de Wikipedia, ellos lo hacen mejor que yo jejeje.

["Acerca del tema de la película, Buñuel escribió: "L'Âge d'Or es también —y sobre todo— una película de amour fou (amor loco), de un impulso irresistible que, en cualesquiera circunstancias, empuja el uno hacia el otro a un hombre y una mujer que nunca pueden unirse."

Se trata, pues, de la rebelión de dos amantes que se niegan a que su amor, pasional y sujeto sólo a sus propias normas, tenga que ser extinguido debido a los prejuicios y preceptos morales y sociales tradicionales. Teniendo en cuenta que sería ésta la línea argumentativa de la película, podemos incluso considerarla como una metáfora del propio grupo surrealista, de su manera de entender la vida y las relaciones humanas, de la necesidad de ser coherente con los principios morales propios, pese a las normas de conducta convencionales: la jerarquía civil, el clero, las normas de conducta, el poder de la aristocracia, la buena educación, el equilibrio, la mesura de los instintos propios, el autocontrol y, en definitiva, el predominio de lo racional sobre lo instintivo, en todos los aspectos de la vida de la persona.

Las dos líneas temáticas principales son, entonces, el amor y el deseo (con toda la carga de sensualidad, sexualidad y frustración que implican) y, por otra parte, los intentos de estos dos amantes de volver a la edad de oro (se ve, pues, que el título de la película recoge uno de los principales temas de los que trata), es decir, de acabar con la sociedad burguesa asentada sobre los pilares tradicionales de la jerarquía social y el clero y que impide al individuo ser él mismo.

También hay otros subtemas:

1.- La violencia: En diferentes contextos, tanto los absurdos (suicidio del ministro del Interior cayendo contra el techo), como otros en los que, tradicionalmente, no está justificada (guardabosques que mata a su hijo porque le ha apagado el cigarrillo) o con una intención de mero choque en el espectador (Gaston Modot golpea a un ciego que quiere tomar el mismo taxi que él en Roma). Liberar estos instintos es parte también del programa surrealista, como sabemos, y ellos mismos lo ponían en práctica en sus vidas en distintas situaciones.

2.- La Iglesia/el clero: Aparece cuestionada en cuanto a su organización jerárquica (fundación de Roma sobre la represión del deseo de los dos amantes en la isla, según la interpretación de Agustín Sánchez Vidal) y a su poder represor. Pero no se puede decir que se trate de un “anticlericalismo feroz” de Buñuel, como decía Dalí, sino más bien una revisión sutil y humanizadora de una institución demasiado corrompida por siglos de costumbres, ritos y tradiciones.

3.- La decadencia y la putrefacción: No tanto como un medio plástico utilizado para provocar reacciones entre el público sino, sobre todo, como un icono, una simbología cargada de significado entre los surrealistas. Pero vemos esta decadencia no sólo en las imágenes de excrementos o mutilaciones, sino también en los convencionalismos sociales sin sentido en la fiesta aristocrática o en los edificios de Roma que se derrumban, como símbolo de una civilización que ya no se tiene en pie.

4.- Sade: Personaje verdaderamente influyente en todos los surrealistas, a quien leían con devoción y cuyos principios de liberación sexual encajaban a la perfección con las ideas que tenían los surrealistas al respecto. Buñuel reserva para él el final de la película, separándolo acaso del resto, como si fuera el veneno que los escorpiones tienen al final de la cola, segmentada, como la película, en seis partes. De este modo, no es presentado como un símbolo más, como una imagen, sino casi como una metáfora del veneno que los mismos surrealistas encerraban para la sociedad que les rodea. Provocativa es la identificación de Sade con la imagen clásica de Cristo con barba y túnica. Quizá pretende Buñuel demostrar así que Cristo también era humano y, cómo no, provocar al espectador una vez más, remover los cimientos de la educación europea cristiana tradicional.

5.- Dificultad de comunicación entre los seres humanos: Tema realmente constante en la historia de todas las artes de todos los tiempos y que preocupaba especialmente a Buñuel. El ser humano no es capaz de hacerse entender correctamente por otros, de que se le escuche y se le comprenda, no sólo a niveles profundos, como en una pareja (la que forman Lya Lys y Gaston Modot), sino incluso en situaciones más sencillas de la vida. Por poner un ejemplo, Gaston Modot sólo se libra de los policías que le llevan preso por las calles de Roma al enseñarles el certificado oficial pero sus palabras no habían servido antes de nada. En este sentido, muchos de los surrealistas tenían también esta misma preocupación e intentaban plasmarla en sus diferentes piezas de arte.

6.- Humor/absurdo: Ingrediente imprescindible en toda creación surrealista. En L'âge d'or hay constantes ejemplos de ello. La mayor parte son juegos formales, por así decirlo, pero algunos, como el paso del carro lleno de campesinos que beben vino por la fiesta aristocrática sin que nadie les preste atención, revelan el absurdo de las situaciones que habitualmente están tan codificadas que ya ni nos sorprendemos cuando a nuestro alrededor suceden cosas así.

Con estos ejemplos de temas o contenidos que son motivos surrealistas, se puede concluir que Buñuel logró su objetivo de hacer una película surrealista."]


Y bueno, del dicho al hecho:

Ya quisiera un "amour fou" de esos...jejeje

Link del artículo completo de Wikipedia sobre la película: L'Âge d'or

Saludos!

Ópera Imaginaria

Recuerdo que cuando niño en las vísperas de Navidad o ya a finales de de Diciembre, el canal 7 TNP (ahora TvPerú) emitío una película animada llamada: Ópera Imaginaria, del cual el siguiente video lo tengo en mi memoria.

&&&&&&&&&&&&&&

Según fuentes, es una producción francesa para la televisón que abarca 12 capítulos, personalmente no los recuerdo todos, quizás bajo el concepto de presentar animaciones llamaría la atención de los niños pero a la vez, quizás ignorado, es totalmente un modo muy interesante de adentrarnos a esta cultura de una manera creativa que van desde seres hechos de plastilina hasta llegar a seres 3D recreando fragmentos de las óperas más conocidas como: Madame Butterfly (Giacomo Puccini), La Traviata (Verdi), Carmen (Bizet), Tosca (Puccini), Nozze Di Figaro (Mozart), entre otras.

Aquí algunos videos:

Confieso que soy sensible a éste último, la historia es bella pero trágica la vez si es que leen el argumento entero. Son las nostalgias que a veces pasan por mi mente y las comparto con ustedes.

Saludos! :)

UbuWeb!

Como quizás habré escrito en post recontra anteriores me gusta el vanguardismo aunque no lo entienda del todo, dado que no siempre todo te lo tienen que dar en bandeja de plata sino que tu mismo debes interpretarlo y quizás puedas a llegar a lo que el autor quizo expresar, al menos ese es mi concepto del vanguardismo.

Dentro de ese gusto descubrí esta web que para mi es muy interesante respecto al tema: UbuWeb. Es un sitio libre de derechos y de uso educacional desde 1996 que nos muestran escritos, films y audios difíciles de conseguir (y que por cierto pueden ser descargados) de artistas que representaron y representan el género del avant-garde.

En estos momentos estoy degustando de la Colección Tellus (voy recién por la #2 XDD!).

Algunas muestras:

- Tony Papa: Water Works

- Kiki Smith - Life Wants To Live

- John Lennon - Radio Play

- Bradley Eros - The Atom & Eve of Destruction


Visiten la FAQ Ubuweb para conocer mejor esta entidad.


Saludos!

"Kachi Kachi Yama"---||Tadanori Yokoo||

Uno de los grandes fundadores del arte gráfico es Tadanori Yokoo (1936),sus trabajos plasman, mediante el uso del collage, todo el ambiente artístico radicado en los años 60's y 70's no sólo en Japón sino también en el lado occidental, tanto así que se le llamó el "Andy Warhol" japonés. En mi opinión sus trabajos son el mundo occidental bajo la visión artística de un japonés.


Algunos trabajos:

Zatoichi

Desnudo que causó su censura durante su época de publicación.

Portada de un disco de los Beatles editado en Japón



The Trip



Marilyn

Animaciones:

KISS KISS KISS (1964)

TOKUTEN EIZOU ANTHOLOGY No. 1

KACHI KACHI YAMA (1965) ...Mi opinión escrita arriba basada en esta animación.

Saludos.

Arte Björkhólico...(hmmm...very interesting!)

Hola a todos, bueno como sabrán pertenezco al genial foro que hacemos los fans peruanos a nuestra ídolo Björk: Björkperu.com; y chekando los últimos mensajes me encontré con este afiche producto de la creatividad de Samantha Núñez, alias "La Princesa Feliz", quien es una de los tantos miembros del foro. Si les gusta, aplaudan y si no también!!

En palabras de su autora: "(...)bueno se trataba de imaginar un nuevo diisco ficticio de algun cantante.. y yo propuse un cd compilatorio de Bjork llamaro "Heterogenic"... y como ella es muy pegada a la naturaleza, elegi las aves. Asi la puse a ella como un pajaro dentro de un nido (q representa la compilacion de varias cosas) con los huevos abiertos de sus anteriores CD's... (...)"

Bueno ahí lo tienen...agradezco a su autora por haberme dado el permiso de publicarlo en este humilde blog.

Saludos!

Nak.